Vértigo

Vértigo, uno de los más memorables relatos del elogiado director Alfred Hitchcock,  su guión se encuentra basado en la novela “Sueurs froides: d'entre les morts” escrita por Pierre Boileau y Thomas Narcejac, un tenso suspenso psicológico que se extiende alrededor de 128 minutos, en esta singular historia el elemento clave es el juego mental permanente que se desarrolla entre los dos protagonistas del film.

Scottie Fergusson (James Stewart) es un detective que padece de una enfermedad conocida como vértigo, esta enfermedad consiste en “una ilusión de movimiento o de giro del entorno o de uno mismo, siendo la sensación de precipitación en el vacío lo más común. Se acompaña normalmente de náuseas, pérdida del equilibrio (mareo) y sensación de desmayo inminente. El vértigo se relaciona casi siempre con una alteración del sistema vestibular, que se halla dentro del oído interno y coordina el mantenimiento del equilibrio así como de nuestra postura, y puede ser momentáneo o durar horas o incluso días.” (Información de www.dmedicina.com ), este se identifica con el personaje de Madeleine Elster (Kim Nova) por su extraña fascinación por el pasado representado en la figura de Carlotta Valdés, este detective según lo plantean Chabrol y Rohmer en su obra literaria llamada Hitchcock, se encuentra “enamorado no de una mujer sino de la idea de una mujer”, los trastornos psicológicos de ambos personajes permiten que se desarrolle un extraño amor que parece acabar con la supuesta muerte de Madeleine; sin embargo este amor irracional y descontrolado se desenvolverá luego en un camino aún más siniestro.

Stewart cae en una crisis psicológica tendida bajo dos situaciones paralelamente, el suicidio de su amada  y la obsesión con la misma, al reencontrarse con la figura de Madeleine bajo el personaje de Judy, el protagonista convierte su papel de victima a un fatídico creador  tal como la antigua leyenda de Pigmalión y de Galatea de la mitología griega; sin embargo de una manera distinta, en el caso de Pigmalión es un escultor que desea crear a la mujer perfecta, en el argumento de Hitchcock, Stewart más que desear la mujer perfecta ansía con “resurgir a su amante de entre los muertos” (Chabrol y Rohmer), este reencuentro hace de aquel amor prohibido y extraño, un amor escalofriante en donde Judy (quien es la misma persona que Madeleine) se convierte en la victima de una transformación, este hombre trata de transformarla en su difunto amor así como igualmente lo hizo Gavin meses atrás para ocultar el crimen perfecto de su esposa, no solo lo hace en su apariencia física con su vestimenta y su color de cabello, también la entrena para actuar como ella, y la sitúa en los principales lugares en donde se desenvolvió su historia con Madeleine.

Stewart en una de las escenas actuando como Pigmalión

Pintura de Pigmalión - Bronzino (1530) 

Esta película es una historia que se cuenta dos veces, en la primera parte parece ser un suicidio de una mujer con trastornos o la incorporación de un espíritu del pasado, en la mitad de la obra descubrimos que en realidad todo fue un plan estratégico para la realización de un crimen perfecto, y en la tercera parte es como si Hitchcock nos propusiera la historia ya no desde la perspectiva de Stewart sino bajo la perspectiva de Gavin, visto de otra manera, este director le propone al  espectador que observe como se realizó el plan del crimen, sin embargo el detonante de esta locura no es la intención de matar, por lo contrario es la de recuperar y de traer a la vida aquel ser que ya no se encuentra bajo el plano terrenal.   

Rear Window (La ventana indiscreta)

Rear window fue una de las películas mas memorables del director Alfred Hitchcock, este relato cinematográfico según lo mencionan Chabrol y Rohmer en su libro titulado Hitchcock tiene gran relación con un film anterior de este mismo director llamado Pacto Siniestro, especialmente en el planteamiento a nivel espacial, ya que los protagonistas se encuentran prácticamente en la totalidad de la película dentro de un mismo escenario y con una única vista al exterior a través de una ventana, en donde, al igual que Pacto Siniestro el color del cielo nos indica la secuencia lineal del tiempo, solo que en este caso se extiende durante días.   

El planteamiento de la película se dirige concretamente al entendimiento claro y preciso del espectador ante la obra cinematográfica, propone una visión general de un panorama dentro de un vecindario común ubicado dentro de una gran ciudad de los Estados Unidos; sin embargo este paisaje esta subdividido por medio de pequeños visores (ventanas) que permiten que el publico al igual que el protagonista gocen la posibilidad de penetrar dentro de esos pequeños mundos cerrados  que se encuentran en los interiores de los hogares (Chabrol y Rohmer, p.135, 2006).

Es importante mencionar que dentro de estos mundos más que observar la simple realidad, Hitchcock los presenta como “proyecciones del pensamiento” de los distintos personajes que se desenvuelven dentro de estos espacios cerrados, el espacio específico del espectador se encuentra dentro del apartamento de James Stewart, y al igual que el protagonista es un mirón que observa todo lo que pasa a su alrededor bajo su propio concepto de la realidad, se angustia y ríe al igual que este reportero frente a las situaciones que se generan a su alrededor.

Hitchcock utiliza todos los elementos posibles para involucrar a su público dentro de la personalidad y rol que desarrollan los personajes dentro de la sociedad (con elementos simples como las fotografías, la cámara rota, las revistas, el vestuario de la mujer, etc), como también en estos espacios íntimos que desenvuelven situaciones cotidianas como por ejemplo el romance de los recién casados, las peleas entre las parejas, la vida artística de un músico y una bailarina, y la vida solitaria de dos mujeres una dedicada a la escultura y la otra que vive en su profunda tristeza, pero al mismo tiempo las situaciones fuera de lugar como el posible asesinato de la mujer y la muerte del perro, en donde las actitudes que se salen ligeramente de lo cotidiano delatan al asesino frente a este mirón del frente.

El director en este film recrea un deseo en el interior de quien observa, un deseo por descubrir la resolución del crimen que con tanta ansiedad se ha propuesto, la incertidumbre ataca al espectador con tanta fuerza que Chabrol y Rohmer proponen “… que nada tememos tanto como ver defraudada nuestra esperanza… con un happy-end bastardo” y es claro ya que la “expectativa sádica del público” se encuentra en su punto máximo.  

Dial M for Murder

En el film Dial M for Murder podemos ver como Alfred Hitchcock hace que el cambio de escena se vuelve más pronunciado y como en este caso es utilizado para dar una determinación de cómo se puede resolver un problema tal y como lo hacemos en la vida cotidiana, primero se realiza un planteo o planteamiento de lo que vamos a hacer, de cómo lo vamos a hacer y en algunos caso que es lo que necesitamos o a quien necesitamos para realizarlo, en este caso Tony Wendice (Ray Milland) quien construye un maravilloso plan con todo bien pensado donde chantajes a un ex-compañero de estudio quien había robado un dinero de la facultad, por lo que con una maraña de mentiras lo introduce en su plan para matar a su esposa Margot (Grace Kelly) para obtener su herencia.

Aquí se realiza un cambio de escena en donde veremos cómo se le da comienzo al macabro plan que creó Tony, pero en su desarrollo Margot al defenderse produce un error en el plan en donde mata al hombre que la quería asesinar.

http://www.youtube.com/watch?v=p7IJ53ln80E

Con esto obliga a Tony a darle vueltas al recién acontecimiento para ver cómo arreglar el percance que ha sufrido y de ver cómo poner todo en contra de Margot para tratar de continuar con su plan y así poder salirse con la suya.

 En esta parte es impresionante la habilidad que le dan a el personaje de Tony para pensar rápidamente para perjudicar a su esposa y hacer que todos la vean como la culpable de todo lo sucedido, con el inconveniente de la aparición de Mark Halliday (Robert Cummings) quien de momento no sabía y no estaba al tanto de lo que realmente estaba sucediendo pero era el que realmente se preocupaba por Margot ya que ellos eran amantes desde ya hacía un año.

Después de que se vio todo el desarrollo de la película el director realiza el cambio de escena para dar inicio al desenlace que es donde Mark comienza a hacer lo posible para que Margot obtenga la libertad ya que había sido condenada a muerte y solo faltaba un día para esto, por lo que ingenia un plan en el que Tony se debía de declarar culpable de haber hecho el plan para asesinar a Margot, sin Mark saber que en realidad eso era lo que había sucedido, pero justamente en ese momento ya el detective tenía sus sospechas y por lo tanto entre ellos terminan descubriendo que el único culpable de todo fue Tony, quedando Margot en libertad.

Extraños en un Tren - Pacto Siniestro

Film del aclamado director Alfred Hitchcock, protagonizada por Farley Granger como Guy Haines (famoso tenista) y Robert Walker como Bruno Anthony, la propuesta cinematográfica desarrolla desde los primeros instantes un juego visual, por medio de dos pares de zapatos, este elemento erróneamente considerado como un simple objeto cotidiano, posee una significancia que trasciende su materialidad y su funcionalidad misma, en la modernidad este elemento se denota como un canal de comunicación, en donde reflejamos quienes somos y en muchos casos de donde venimos, Hitchcock conocía de esta herramienta y la ha utilizado para introducir su gran obra, retratando sutilmente la ficha literaria de sus personajes con la sustitución del rostro por estos elementos ya mencionados.

Sin embargo sobrepasando el nivel semántico de los zapatos, es clave mencionar la dirección del movimiento y la forma en reflección del viaje de estos elementos, Chabrol y Rohmer en su obra Hitchcock plantean la siguiente interpretación a partir de esta película  “…cada paso como su propia imagen reflejada en un espejo apenas deformante, como su doble malefico…” (p.119). Casualidad o destino, carece de importancia en esta obra, ambos personajes se sitúan uno en frente del otro en el tren que se dirige a “Long Island”, y realizan exactamente el mismo movimiento, esto le proporciona al espectador la información necesaria para ir desenvolviendo conclusiones, primeramente el énfasis a la visión en reflejo y por otra parte el número dos símbolo que aparece reiteradamente durante toda la película, esto se desarrollara más adelante.

“El curso natural de la hora se sustituye por unos instantes de tiempo artificial de suspenso.” (p.120, Chabrol y Rohmer, 2006), el director se apropia del tren como uno de los escenarios fundamentales para desarrollo del relato; sin embargo paralelamente lo utiliza para marcar las pautas del ritmo notoriamente acelerado que conserva la película, sin embargo la constancia del ritmo se interrumpe en la escena final del carrusel giratorio en donde se genera una explosión temporal llanamente idealizada. 

Sobrepasando el tema del ritmo, dirigiremos nuestra atención al perfil psicológico de los protagonistas, de cómo el símbolo del número dos adquiere una significancia relativamente alta y como se desarrolla el concepto del intercambio en Extraños en un Tren o igualmente conocida como Pacto Siniestro.

Chabrol y Rohmer desarrollan una serie de conceptos sobre los personajes, especialmente sobre Bruno, un hombre que interpone por encima de sus valores morales su deseo y obsesión perversa, este personaje es un cuestionamiento hacia el propio espectador acerca de las obsesiones aparentemente comunes de la sociedad, en la obra se ejemplifican dos situaciones claves para comprender lo mencionado, inicialmente se propone el deseo de Guy por estrangular a su ex esposa por un cambio repentino sobre su apetecido y decisivo divorcio, y en segunda instancia se encuentra el caso de las ancianas en la casa del senador que expresan su fascinación por la logística de un crimen perfecto, en ambas circunstancias se observa un juego mental “inocente” que los personajes comunes poseen sobre la idea del asesinato; sin embargo estos se enfrentan ante parámetros morales que hacen de estos seres incapaces de cometer tales acciones enfermizas, esclareciendo estos términos es sustancial explicar la importancia del número dos, milenariamente la filosofía ha propuesto una serie de postulados que cuestionan el prevalecer de dos términos contrapuestos, el bien sin la coexistencia del mal, tomando en cuenta únicamente estos dos conceptos para el desarrollo de este análisis se puede observar como Bruno sobrepasa el simple deseo psicológico de Guy a la acción siniestra, como un “doble malefico” carente de todo valor.

Al llevar a cabo este terrible acto Bruno se obsesiona simultáneamente con la similitud física que posee la hija menor del senador con su victima (la forma de sus anteojos, la redondez y la blancura de su garganta) y con el conflicto que da pie a la obra, el intercambio, con el cual pretende la realización del crimen perfecto, es este el factor el que detona el héroe Hitchcockiano del falso culpable, Guy se observa sumergido dentro de una situación que lo posiciona como el asesino de su ex esposa por el móvil que lo incrimina, y es en este preciso momento cuando el suspenso se intensifica, posicionando al espectador en la intriga de cómo este personaje resolverá el conflicto en el cual se encuentra, si convirtiéndose en un asesino o por medio de un factor distinto, desconocido aún por quien observa.  

Rope (La Soga o Festín diabólico) - 1948

Adaptación cinematográfica de la obra de teatro Rope, dirigida por el reconocido director Alfred Hitchcock. La totalidad del relato se realiza bajo una tendencia, un único plano, el director utiliza como ventaja técnica el TMT (Ten Minutes Take) para generar el efecto de continuidad en tiempo y espacio. Este film se caracteriza por una singular razón el suspenso no trasciende en descubrir el autor del crimen cometido; sino en cambio en la intriga de cuando estos serán descubiertos por su obra, esto quiere decir que el suspenso permanece como hilo conductor de la trama gracias a la simultaneidad de los dos ordenes en los cuales se mueve, el realista y el policial. El actor principal John Dall, quien representa a Brandon encarna el demonio de la perversidad (termino desarrollado en un relato de 1845 por Edgar Allan Poe), justifica sus actos con una filosofía que parece tomar como principio la ideología de Nietzsche sobre el Übermensch (Superhombre), en este postulado se define a los débiles como parte de un rebaño esclavizado por la moral impuesta por la religión, en el caso de la película David el hombre asesinado, quien es dominado por la corriente de la sociedad y el amor hacia una mujer insignificante; y por el contario al superhombre como aquel que autodefine su moral según sus propios principios, particularmente Brandon se considera a si mismo un ser supremo quien puede darse el privilegio de matar a aquellos más débiles o mejor dicho que no tienen derecho a vivir, así como lo hacía Hitler para fundamentar su genocidio hacia los judíos.

El perfil psicológico es el factor predominante en toda la película, cada detalle esta elaborado para generar la importancia suprema al juego mental entre los diferentes personajes, la inteligencia y los ideales se sobreponen ante lo físico, esto define a este film como thriller psicológico, genero predilecto de Hitchcock considerado por muchos como uno de los principales promotores del mismo. La película propone una batalla psicológica entre Phillip (Farley Granger) y Brandon, quienes aparentemente poseen una extraña relación afectiva, que hace que el espectador se pregunte si realmente son una pareja, en este primer conflicto se observa la dominancia y la manipulación de Brandon, contraponiendo a Phillip ante sus propios ideales, logrando así poseer un cómplice que comparta su forma de pensar, 

el segundo y principal encuentro psicológico se forja entre los asesinos y su antiguo profesor

Rupert Cadell (James Stewart) personaje que posee un gran intelecto y un perfil siempre vigilante ante los acontecimientos, este tiene los mismos ideales con relación a la superioridad del hombre y de cómo el homicidio es un privilegio para pocos; sin embargo a pesar de que defiende su teoría no cree en lo absoluto que esta deba de pasar a la realidad práctica.

Con lo descrito anteriormente no cabe duda de que Hitchcock en Rope define el genero del thriller psicológico de una manera extraordinaria; sin embargo es importante destacar la magia del director en cuanto los aspectos técnicos quienes también influyen psicológicamente en la tensa batalla intelectual que se desarrolla entre los personajes, observamos por ejemplo, el sistema de iluminación que trasciende de una manera realista entre la tarde soleada que se observa a través de la ventana en donde todo parece estar bien,

y la oscura noche con la cual va avanzando la tensión y la sospecha con la cual finaliza la obra cinematográfica. Al mismo tiempo la música juega un papel fundamental, específicamente nos podemos detener en la escena donde el profesor Rupert cuestiona a Phillip mientras este tocaba el piano, el personaje aumenta su tono de voz y eleva la intensidad de la música con el Movimiento Perpetuo nº1 de Francis Poulec, el genero musical al cual pertenece esta obra se destaca por la repetición y el aumento de la velocidad, la música se complementa con el elemento del triangulo para dar énfasis al incremento de los nervios del personaje al ser interrogado, esto igualmente provoca una agitación en el espectador por el miedo a que descubran a este. (links del video de esta escena - http://www.youtube.com/watch?v=XrNPh5fPJSM&feature=related y http://www.youtube.com/watch?v=WLnTp1fHHyY&feature=related)

        

La Sombra De Una Duda

En la película “La Sombra de una Duda” del gran director “Alfred Hitcock”, podemos denotar la relación de todo lo que son los paisajes y escenografías con la actitud tanto del personaje principal “Charlie” (Teresa Wright) como la que Hitcock quiere que el espectador tome ante las diferentes tramas durante la película.

En principio de la películas podemos ver como la mayoría de paisajes son muy claros y llenos de vida (con excepción de la primer escena que es un poco tétrica y oscura en la habitación de nuestro futuro sospechoso), en donde se nos trata de hacer ver que existe un ambiente con tranquilidad y felicidad, ya que se da la llegada de Charlie (Cotten) que es el Tío de Charlie (Teresa), un hombre muy simpático que siempre ha sido muy admirado por su familia y principalmente por su sobrina.

Después de la llegada de éste hombre la película se torna un poco más gris, en donde se comienza con la sospecha de que él es el asesino de mujeres viudas con grandes fortunas,  que buscaba la policía desde hace algún tiempo, y apartir de aquí podemos ver el cambio del espacio en las escenas y escenografías donde se muestra la tristeza y enojo de Charlie (Teresa) con escenas más en las tardes y noches para darles un poco de oscuridad a la trama y hacer que el espectador sienta lo mismo que ella, por la gran sorpresa de que su tío no era lo que ella realmente pensaba.

http://www.youtube.com/watch?v=KX1Kim1N1vg&feature=related

En adelante se comienza a ver donde los paisajes cambian mucho conforme a los que se dieron al inicio, ya que la personaje principal siempre se muestra con gran tristeza y confusión, y comienzan a darse una secuencia de actividades que son fuera de lo común, en donde se muestran paisajes que demuestran un odio hacia Charlie (Teresa), ya que ella busca su muerte.

La película muestra una muy buena variedad de escenas en donde siempre podemos darnos cuenta de la actitud del personaje principal con solo poner atención al espacio de la secuencia que estamos observando en paisajes más turbios llenos de gente y ruidos estridentes de la calle y del centro del pueblo con la oscuridad de la noche en escenas cercanas a la muerte, con una gran excepción que se pone un paisaje claro cundo se aproxima la muerte de nuestro asesino en la escena en que van a subirse al tren para despedirse de su tío.

La Sospecha (1941) Alfred Hitchcock

La sospecha es un film de Alfred Hitchcock presentada en el año 1941 basada en el libro “Beford the Fact” escrita por Anthony Beckeley, en este relato cinematográfico se evidencia el cambio de Hitchcock en cuanto a perspectiva del suspenso y los avances en el desarrollo plástico de la película.

A manera introductoria cabe rescatar el típico caso del falso culpable, en este caso Jonnie Aysgard (Cary Grant), el personaje se caracteriza por su particular forma de vida, un casanova de la época que le gusta apostar y ganar dinero de forma fácil, Hitchcock crea un juego psicológico alrededor del pensamiento de Lina McLaidlaw (Joan Fontaine) esposa de Aysgard, que logra señalarlo como el culpable de una serie de asesinatos que se generan a su alrededor.

Hitchcock en el relato nos proporciona una serie de claves plásticas o semánticas, que logran desarrollar el mensaje de la película con una mayor fuerza. Un ejemplo clave es cuando ambos personajes viajan en un vagón del tren, la dama porta un libro de psicología de los niños, este objeto especifico da pie para determinar la personalidad de ambos personajes, él se denota como un niño despreocupado que carece de la verdadera madurez de un adulto responsable que luego se convierte en asesino, y ella como una niña inocente y confundida, la inmadurez de la misma desarrolla la sospecha sobre su esposo, tema principal de la trama.

La luz y sombra determinan algo fundamental, la escena en donde Lina descubre que Beaky está vivo, es sumamente importante, primeramente ella porta un saco negro y las escenas son oscuras, cuando ella observa a este personaje con vida se libera de su saco negro y se descubre su vestidura blanca, claramente este recurso demuestra el cambio psicológico de miedo a felicidad, igualmente se genera en la escena más oscura de toda la película, cuando Aysgard lleva el vaso de leche a su esposa, se genera un ambiente sumamente misterioso, la sombra del personaje se utiliza para enfrentar al espectador a un ambiente tenso en donde todo atenta contra Aysgard para encasillarlo como el verdadero asesino.

El primer plano utilizado en la escena donde la mujer se encuentra en el cuarto con los detectives al terminar la conversación con estos intenta generar en una misma escena dos posiciones psicológicas distintas sobre un mismo asunto, ya que en el plano mas cercano se presenta el rostro de la mujer con sus sentimientos encontrados y dudosos sobre la culpabilidad de su esposo, y en el segundo plano se encuentran los detectives con una actitud de sospecha y espera simultánea que recargan sobre la espalda de la mujer interrogada.

El acto de la cena en casa de los Aysgard con la escritora Isobel y su hermano, resalta un elemento muy importante la forma en que el hermano de la señora corta el pavo como si realizara una autopsia, en este caso no destaca un sentimiento que este presente en el momento; sin embargo refuerza la profesión de este y como es psicológicamente afectado por la misma. Con estos ejemplos se refleja el crecimiento en cuanto a la perspectiva y la importancia que Hithcock desarrolla alrededor de la ficha literaria, ya que enfatiza con mayor precisión las particularidades sobre la personalidad, estados psicológicos y sentimentales de los personajes.    

En esta obra cinematográfica se denotan elementos plásticos utilizados con mucho mayor cuidado que en obras anteriores como los 39 escalones, estos han sido cuidadosamente elegidos para generar ordenamiento y objetividad a nivel compositivo. Para ejemplificar esto cabe rescatar como se da la reiteración de primeros planos en los recursos escritos, estos elementos refuerzan los conceptos por medio de otras técnicas que no contemplen a los actores como únicos comunicadores, por ejemplo en las letras del juego que dicen “murder”, la mujer intenta con esto advertir el posible asesinato, también se destacan las distintas cartas, en una de estas se resalta con una leve luz la frase “otra manera de pagártelo” este elemento es un motivo importante que hace a la mujer sospechar aún más de su esposo.  

Una composición clave de jerarquía se desarrolla cuando ambos personajes se disponen frente al retrato del padre de Lina de manera piramidal, refleja el poder del padre en especial con el complemento del uniforme.